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TRINITY

TRINITY

内藤さゆり写真集

定価:2,800円+税 | 245 x 255mm | 36ページ | 並製本

TRINITY

Photographs by Sayuri NAITO

2,800 JPY | 245 x 255mm | 36page | softcover

ISBN : 978-49906281-0-9

Published in July 2012.

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About  Book

それは3つの物語で構成されています。

 

静かで穏やかな金色と、歌うように軽やかな黒色は、互いに共鳴し合い、

冬の濃紺の海は、朝日を浴びて明るい青へと変化し、

夏の夕暮れは、気怠さを増しながら夜をいざなっていきます。

 

3つのストーリーは、それぞれが個性をもって語られるのです。

『Silent Gold & Singing Black』は、色の対比を。

『Wintermute』は、温度の変化で。

『Midsummer』は、湿度の様相が。

 

どれ一つ欠けても成り立たつことのない日本の色彩。

なに一つ欠けても思い出すことのできない季節の瞬間。

 

私の中で記憶され紡ぎだされた三位一体の物語。

 

それがトリニティの世界です。

 

 

 

 

 

『色に溺れる』

 

 

初めて彼女の作品を見たときの衝撃を今でも覚えている。

写されている対象や事象ではなく、色に圧倒された。やわらかな雰囲気に包まれた風景からは、それまで自分が眼にした事のない色彩がその中には存在した。それはたまたま前作の写真集の撮影場所であったポルトガルという場の所為なのかと当初は感じていたが、繰り返しいくつかの異なるシリーズの、彼女の作品を見ているうちに気がついたことがあった。

これは現実の色ではなかったのだ。

 

もちろん写真であるから描いている訳ではない。実際に撮影している場所もあるし、理想とする一瞬に出会えるように場所も時間も吟味されている。しかし彼女は撮影した時の記憶にある風景の色彩を再現しようとしているのではない。彼女が理想(自身は妄想という言葉を使っているが)とする色に変換させている。

「写真」という言葉に引きずられるように、写真は真実を写し取るもので、なにか手を加えるべきものではないと思う人も多いだろう。報道や記録としての写真はそのような役割を担うべきであるが、人は写真が発明された頃から手を加えてきた。もっとも初期のものは19世紀の銀版写真(ダゲレオタイプ)に色を加えている。もちろん当時はモノクロ写真しか存在しなかったが、絵の具で色を加えて自分の理想とする現実に近づけようとした。

Photographyという言葉を正確に訳すと、実は「写真」ではなく、「光画」という言葉になるという事を知っている人はあまり多くはないだろう。写真は、光が描くものなのだ。

 

彼女の制作する様子を想像してみよう。慎重に時間と場所を吟味しながらベースとなるイメージをつかむ。「描いているわけではない」と前述したが、撮影する時に光をコントロールし、プリントする時に色彩を選ぶ行為は、「風景を撮影する」というよりも「風景を光で描いている」と言い換える方がふさわしいのかもしれない。

 

今回の写真集では、時間も場所も異なる3つのテーマを組み合わせて出来ている。その中で「Silent Gold and Singing Black」では金と黒を対比させ、「Wintermute」では夜明けの紺から明るい青への変化を、「Midsummer」では夕焼けの紫から夕闇に移る黒へのグラデーションを捉えている。最初の金と黒は彼女の好きな琳派の絵画から想起させていると言うが、私たちの日常にはなんて微妙な色が存在しているのだろうと改めて感じる。日本の色彩の多様さを表している言葉に「四十八茶百鼠」という言葉さえあるが、彼女の写真を見て、この色にふさわしい言葉とふと思いを馳せるとき、日本人であることを幸せに思うのだ。

 

彼女は光を使って美しい画を創っている。そして誰も見たことのない彼女の頭の中にだけ存在する美しい風景を出現させる。彼女の美しい妄想の真実に気がついてしまった時、そこの場所に行けば、この風景に出会えるのかという淡い期待は残念ながら散逸してしまったが、存在する訳のないと思いながらも、この色の世界に溺れたいという憧れる気持ちは増している。

 

 

東京都写真美術館 学芸員 藤村里美 (写真集あとがきより)

 

 

 

"Indulge in Colour"

 

 

I still remember that Sayuri’s work came as a shock when I first saw them.

I was not overwhelmed by subjects or events, which were depicted in her photographs, but by colours. Within views surrounded by the gentle atmosphere, I felt the presence of colours that I had never seen before. I thought, at first, it was because these photographs were taken in Portugal for which she produced to publish her previous photo book (PONTE 25 DE ABRIL, 2009), but as I carefully observed several other series many times, I found something in her works.

It is not actual colour in existence.

 

Of course, these are photographs so they were not painted. Places captured in photographs do exist and she carefully examined a time and place to bring about an ideal moment. In her photographs, she does not attempt to reproduce colours of scenes that were in her mind at the time of shooting. She transforms them into her ideal colour, though she describes it as her imaginary colour rather than ideal.

As the term “Photography” is associated with recreation of the acurate vision, one would argue that a photograph should not be fabricated. In the fields of photo journalism and documentaries, it is true that photography should play such a role to preserve the truth, however, photography has been experienced manipulation ever since it was invented. Colour fabricated photographs can be found in as early as the era of silvered coppered plate positives (daguerreotype) in the nineteenth century. Obviously in that time, there were only black and white monochrome photographs, and photographers painted them with colour pigments in an attempt to make those closer to the reality in which they envisaged.

It is little known that the word “Photography” actually means a “light (photo) picture” in English rather than “mirroring the Real truth” as it is translated so in Japanese.

 

Now let us try to imagine how Sayuri works on her photographs. She grasps an image which composes the basic theme by examining the time and places. Although I said that she does not “paint”, it would be better to describe her approach to colours in the process of printing is to “paint the scene with the light” rather than to “photograph the scene”.

 

This photo book comprised of three themes with each representing the different time and place. In “Silent Gold and Singing Black”, she has chosen gold and black to contrast with one another, and in “Wintermute”, she observes the change of the colours from navy blue to bright blue at dawn. This title, “Wintermute” is derived from William Gibson’s novel “Neuromancer (1984)”. Colour gradations in “Midsummer” find transitions from purple at sunset to black in the shadows of dusk. Sayuri explains that gold and black in “Silent Gold and Singing Black” are evoked from drawings of the school of Rimpa. With her photographs, it reminds me of such a delicate nuance in colours that we see in everyday life. In the Edo period, the Japanese enjoyed variations of colours from the limited ranges. People could use only colours, by the Shogunate decree, which fall in three ranges, brown, grey and blue. As a result we developed the idea of “Sijuhaccha hyakunezumi (forty-eight browns and hundred greys)” which means the variety of colours with over 100 different variations within the range. The colours in Sayuri’s work give me more than a passing to this idea, and I find appreciation that I am one of those Japanese.

 

She utilises the light to create a beautiful picture. And she brings the view that only exists in her mind to this world. When I have come to realise the truth of imaginary beauty of her own, my faint hope to visit the location where she took photographs and to come across scenes in her work is sadly shuttered. Even though I am convinced scenes in her work are never real, my longing to indulge in a world of Sayuri’s colours is ever growing.

 

Satomi FUJIMURA, Tokyo Metropolitan Museum of Photography - Curator

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